Vanderlei Tenório

Alguns cineastas são mestres técnicos, capazes de construir as configurações de outro mundo através de narrativas inteligentes e precisão. Outros são magistrais em girar desenvolver dramas complexos e encenar cenas de ação elaboradas para o máximo de suspense. Depois, há os cineastas que se especializam em extrair desempenhos excelentes de seus atores. O “diretor do ator”, como às vezes é conhecido. O sensacional Paul Thomas Anderson se enquadra firmemente neste campo. 

Ao longo de nove filmes, Anderson ajudou a criar algumas das performances mais impressionantes do cinema contemporâneo dos anos 90 e 2000. Essas performances variam de nítidas e cômicas a camadas trágicas, mas mantêm a humanidade inebriante e crucial, não importa o tom. Não há caricaturas nos filmes de Anderson, apenas pessoas lidando com a farsa da vida à sua maneira farsesca. 

O mais recente de Anderson, “Licorice Pizza” está sendo exibido nos cinemas de todo o mundo, então achei que seria o momento perfeito para eleger meus 7 personagens favoritos da filmografia seletíssima do grande Paul Thomas Anderson.

Confira abaixo minha seleção:

Daniel Plainview, de Sangre Negro (2007):

O ex-ator britânico Daniel Day-Lewis é frequentemente citado como o maior ator de todos os tempos – único ator na história a ganhar três estatuetas de Melhor Ator no Oscar, respectivamente, nas edições de 1990, 2008 e 2013.

Sem dúvidas, sua atuação mais extraordinária de todos os tempos vem em “Sangue Negro”, de Anderson. Ele engole o quadro como Daniel Plainview, um petroleiro da virada do século que tem uma tendência perversa que rivaliza com a do próprio diabo. A transformação do papel é notável, desde o andar largo de Plainview até a voz de barítono que foi modelada em um dos ídolos da direção de Anderson, John Huston (1906-1987).

Em termos de estudos de personagens, “Sangue Negro” dá mais foco a uma única pessoa do que qualquer outro filme de Anderson, e Day-Lewis faz o tempo na tela contar. É impossível tirar os olhos dele, esteja ele rastejando pelo deserto da Califórnia com uma perna quebrada ou renegando seu filho adotivo por causa de sua deficiência. Um monstro de filme. O filme rendeu a segunda estatueta de Melhor Ator para Day-Lewis.

Freddie Quell, de O Mestre (2012):

O fim do relacionamento de trabalho de Anderson com Philip Seymour Hoffman (1967-2014) foi paralelo ao início de seu relacionamento com Joaquin Phoenix. O ator estava saindo de um período bizarro e altamente divulgado em que “saiu” de Hollywood para fazer rap (uma piada que mais tarde serviu de base para o documentário fictício “I’m Still Here”).

Nisso, “O Mestre” foi uma espécie de oportunidade de retorno. Isso não apenas lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator, mas foi classificado para muitos como o desempenho definitivo da Fênix, antes de sua personificação grandiosa do ícone do Coringa – papel que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator.

Phoenix é absolutamente hipnotizante como Freddie Quell, o veterano problemático que procura um significado. O ator desaparece na fisicalidade macilenta de Freddie, e as trocas entre ele e Lancaster (o processamento e as cenas da prisão, em particular) crepitam com um tipo de intimidade intensa que a maioria dos dramas jamais ousaria tentar. Parece menos uma performance e mais uma força primária sendo capturada em um filme de 70 mm.

Frank T.J. Mackey, de Magnolia (1999):

Tom Cruise passou tanto tempo como o ator ousado por trás da franquia “Missão: Impossível” que pode ser fácil ignorar o quão atraente ele pode ser quando é forçado a confiar em sua atuação dramática. 

“Magnolia” é o marco zero quando se trata de mudar a opinião de que Cruise não é o verdadeiro negócio, já que o astro do cinema se inclina para suas tendências maníacas e faz uma performance viva como o guru sexual de autoajuda Frank TJ Mackie.

Suas cenas compõem a maioria dos momentos icônicos do filme, do seminário de abertura de Mackie à reconciliação emocionalmente devastadora entre ele e seu pai (Jason Robards (1922-2000)). 

É aqui, em uma tomada tensa e praticamente ininterrupta, que o ator abandona seu artifício e deixa transparecer a dor real (o paralelo entre o relacionamento de Cruise com seu pai e o de Mackie é habilmente detalhado no livro de Amy Nicholson “Tom Cruise: Anatomy of an Actor”). É um momento inesquecível. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Jack Horner, de Boogie Nights – Prazer Sem Limites (1997):

Burt Reynolds (1936-2018) e Anderson tinham um relacionamento complicado. Eles não se deram bem durante a produção de “Boogie Nights”, e Reynolds chegou a demitir seu agente depois que o filme foi concluído. Houve até rumores de que eles desistiram no set do épico pornô dos anos 70, embora os dois negassem isso anos depois. 

Entretanto, a tensão não inibiu o trabalho, e Reynolds foi legitimamente indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por sua vez como diretor pornô Jack Horner. O elenco estrelar não pode ser esquecido, elenco formado por nomes como Mark Wahlberg, Julianne Moore, Don Cheadle, John C. Reilly, William H. Macy, Ricky Jay (1946-2018), Alfred Molina, Philip Seymour Hoffman (1967-2014) e Philip Baker Hall. Reynolds transcende essa trupe com uma performance emocionante e sem esforço – atrevo-me a dizer que foi seu melhor desempenho.

Amber Waves, de Boogie Nights – Prazer Sem Limites (1997):

Julianne Moore foi uma peça central no repertório de atuação Andersonian do final dos anos 90, e sua atuação em “Boogie Nights” é um exemplo perfeito disso. Como Amber Waves, a mãe dos desajustados de atrizes pornôs, ela conseguiu encontrar um equilíbrio complicado entre sabedoria e falibilidade. Ela guiou seus colegas mais jovens pela indústria, mesmo com sua vida pessoal caindo aos pedaços nos bastidores.

Veja, por exemplo, a cena em que Amber luta pela custódia do filho. Moore fica mais quieta à medida que se torna aparente que sua personagem vai perder, e o silêncio aumenta para um nível febril antes do corte violento para seus soluços do lado de fora do tribunal. 

Enquanto a maioria dos personagens de Anderson recorrem a monólogos apaixonados para desabafar sua frustração (algo que Moore acertaria em “Magnolia”), é uma prova de seu talento que ela pode fazer a mesma coisa com alguns olhares. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante a primeira de cinco.

Peggy Dodd, de O Mestre (2012):

Em comparação com suas performances coloridas em “Trapaça” (2013) e “Vice” (2018), a virada de Amy Adams como Peggy Dodd, a espinha dorsal furtiva de “O Mestre”, pode parecer desinteressante. 

No entanto, quanto mais se revisita o filme, mais objetivas aparecem a contenção e a precisão. Adams é ao mesmo tempo reconfortante e aterrorizante como Peggy, uma mulher que empurra seu marido impetuoso para o primeiro plano enquanto puxa seus cordelinhos sem esforço atrás de portas fechadas.

Muitos dos personagens de Anderson carregam suas emoções na manga, então o fato de nunca termos uma compreensão sólida das intenções de Peggy torna sua presença ainda mais tentadora. Com seus olhos azuis de aço cortando a insegurança de seus colegas. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante a quarta de suas seis indicações.

Lancaster Dodd, de O Mestre (2012):

Philip Seymour Hoffman (1967-2014) foi o colaborador mais significativo de Anderson. Eles eram melhores amigos fora das telas, e poucos diretores foram capazes de utilizar a imprevisibilidade de Hoffman nas telas tão bem quanto o Anderson. 

“O Mestre” acabou sendo sua quinta e última colaboração, e embora as circunstâncias em torno da morte de Hoffman sejam totalmente trágicas, eles não poderiam ter nos dado uma despedida melhor.

Hoffman é a encarnação do carisma como Lancaster Dodd, o líder de um grupo religioso conhecido como “A Causa”. O personagem é baseado de forma transparente no fundador da Cientologia L. Ron Hubbard (1911-1986), mas Hoffman modelou seu desempenho em outro (autoproclamado) charlatão, Orson Welles (1915-1985), e os resultados são mágicos.

Aqui está um homem que se entregou ao regimento e à estrutura, apenas para se apaixonar pela liberdade crua de um de seus alunos. Sua versão de “On a Slow Boat to China” é um dos momentos mais tristes e emocionantes de qualquer filme de Anderson, especialmente quando você considera o que Hoffman significava para o diretor. Isso me sufoca o tempo todo. O papel lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante a quarta de quatro indicações.