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Dia 13 de setembro tem drive-in live show com Márcio & Tchelo

Redação Gazeta Regional

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Uma iniciativa e produção completa da EISOM, em parceria com o Rancho Pegorari

No próximo domingo, 13, a EISOM promove às 17h, no Rancho Pegorari em Santo Antônio de Posse, o primeiro drive-in live show, com a dupla Márcio e Tchelo. Neste momento em que foi preciso se reinventar, respeitando o isolamento, os gêmeos do sertanejo, após agraciar o seu público com algumas lives no YouTube, decidiram trazer o público para mais perto.

O drive-in live show deve contar com um repertório recheado de seus maiores sucessos tanto autorais, quanto cover. A live, transmitida direto do Show Drive-in, terá doações revertidas ao Hospital Maternidade de Campinas.

A abertura do portão está prevista para as 15h e os veículos devem ser estacionados por ordem de chegada, conforme sequência alfanumérica do setor. Serão vendidos alimentos e bebidas para consumo nos carros.

O espaço tem capacidade para 112 veículos e para participar, o valor do ingresso por carro varia de R$50 a R$150. Todos os setores contemplam o participante com um balde com seis latas (a escolher entre cerveja e refrigerante) + duas águas. A compra do ingresso deve ser feita por meio do Sympla, buscando por Márcio e Tchelo.

De acordo com o diretor de marketing do grupo, Thiago Yob Borba, a produção deste drive-in live show deve demonstrar todos os serviços da EISOM, em comemoração aos 14 anos da empresa, que antes tinha como produtos: sonorização, iluminação e vídeo (projeção e painéis de led), e agora também com “live streaming” – transmissão, contando com equipamentos de última geração.

Informações importantes

A venda de ingressos é apenas on-line. É obrigatória a apresentação do ingresso em forma digital (pelo aplicativo Sympla) ou impressa por meio de e-ticket. A leitura do ingresso será realizada através de leitores óticos, sem contato manual

É permitido o acesso de até quatro pessoas por carro, porém a organização indica duas pessoas, pelo fato do banco traseiro não possuir uma boa visibilidade. Deve ser realizada aferição de temperatura no acesso ao espaço e só serão liberadas apenas pessoas com temperatura inferior à 37,5º.

Permitido o acesso somente de veículos de passeio fechados, conforme legislação vigente. Veículos conversíveis apenas serão liberados com capota fechada. Vagas com distanciamento de 1,5m entre os veículos.

É obrigatória a permanência no veículo durante toda a sessão, ficando terminantemente proibida a projeção de braços, cabeça ou qualquer outra parte do corpo para fora do veículo. Uso dos banheiros deve ser agendado por meio de um canal exclusivo de atendimento a ser divulgado no interior do evento.

Venda de alimentos e bebidas por meio de aplicativo. Haverá lixeiras para descarte apenas na saída do evento.

 “Contamos com a sua colaboração para que todos possam ter a oportunidade de assistir a um grande espetáculo com segurança dentro do Rancho Pegorari e sem colocar em risco a manutenção das autorizações pertinentes. O descumprimento das normas estabelecidas sujeitarão o público a advertência e, em caso de reincidência, solicitação de retirada”, reforça o grupo.

A data do evento pode sofrer alteração mediante decreto da prefeitura ou por motivos de força maior. A apresentação pode ser cancelada ou adiada em caso de doença.

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Shakespeare nas obras de Kenneth Branagh

Vanderlei Tenório

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Vanderlei Tenório

Há algo em Shakespeare que encoraja cada geração a tentar fazer algo novo ou diferente com seu trabalho. Por exemplo, colocar Romeu e Julieta nas praias de LA, como fez Baz Luhrmann, ou modernizar a linguagem como aconteceu na desastrosa versão de Julian Fellowes. Tornou-se quase paródica essa necessidade constante de reinvenção e, é por isso que as interpretações decididamente tradicionais de Kenneth Branagh parecem tão revigorantes.

Nos últimos 30 anos, Branagh dirigiu seis longas-metragens inspirados em Shakespeare. Nessa perspectiva, suas versões de “Henrique V”, “Muito Barulho por Nada” e “Hamlet” estão entre as melhores adaptações cinematográficas do Bardo de todos os tempos. A chave para seu sucesso não é tentar reinventar ou reimaginar as peças, é apenas escolher um cenário e, em seguida, interpretar o texto com um gosto incomparável. Sua versão de Hamlet, por exemplo, dura quatro horas inteiras, colocando cada palavra do magnífico texto de Shakespeare na tela.

Em suas belíssimas adaptações shakesperianas, Branagh destrói totalmente a ilusão de que Shakespeare é inacessível. Mesmo hoje, quando muito da língua anglo-saxônica mudou do inglês Tudor e as peças são mais de impacto do que pentâmetro. Nas obras de Branagh, Shakespeare pode ser apreciado por qualquer pessoa, o cineasta e roteirista sabe trabalhar com excelência a roupagem e a linguagem na narrativa visual e textual de seus filmes. 

O irlandês é íntimo dos escritos do dramaturgo, poeta e escritor inglês. Pontualmente falando, todas as adaptações para o cinema de Shakespeare de Branagh são baseadas em produções teatrais anteriores nas quais ele estrelou na Royal Shakespeare Company e na Renaissance Theatre Company. Essa decisão dá um senso de credibilidade ao seu trabalho cinematográfico.

Branagh entende os ritmos e temas de Shakespeare tão bem que os transmitir parece fácil. Veja seus monólogos de Benedick sobre sentimentos conflitantes em relação a Beatrice em Muito Barulho por Nada” (1993). A dicção de Branagh rola com o lirismo da linguagem do Bardo, enquanto seu bloqueio varia da incerteza inclinada ao êxtase desenfreado e fervilhante. Os espectadores serão capazes de deduzir do contexto quaisquer nuances linguísticas que, de outra forma, poderiam evitá-los.

Tecnicamente falando, parte do apelo das adaptações de Branagh são os gigantescos elencos que ele monta para cada uma de suas obras. Richard Briers, Derek Jacobi e Emma Thompson são alguns de seus afortunados talismãs recorrentes, enquanto ele também traz performances notáveis ​​de Denzel Washington, o adolescente Christian Bale e até mesmo Keanu Reeves – igualmente surpreendente é a maneira como ele faz de Brian Blessed uma presença credível na tela. 

Por exemplo, o elenco de Hamlet é tão magnífico que chega a ser desconcertante. Peter O’Toole, Judi Dench e Ken Dodd têm aparições sem palavras, enquanto Charlton Heston, Robin Williams e Jack Lemmon aparecem para pequenas participações especiais. Claramente, os atores adoram trabalhar para ele – Branagh é um dos poucos cineastas que consegue enxergar a alma dos atores, nesse sentido, o fato dele ser ator ajuda muito.

No quesito casting, Branagh mantenhe sua lealdade aos atores britânicos, os tidos ‘atores shakespearianos’. Essa escolha deliberada contribui não apenas para o estilo de Branagh, mas também para a aparente credibilidade dos filmes. Em outras palavras, atores britânicos treinados “fazendo Shakespeare” são teoricamente mais palatáveis ​​para muitos públicos do que alguém como Al Pacino, por exemplo, cujo sotaque americano foi ridicularizado em seu documentário baseado em Ricardo IIIProcurando Richard”(1996).

Como John Ford, Irmãos Coen, Spike Lee, Quentin Tarantino e Wes Anderson, Kenneth Branagh recicla colaboradores. Ele constantemente trabalha com os profissionais: Tim Harvey (designer de produção), Patrick Doyle (compositor) e Roger Lanser (diretor de fotografia). Na verdade, quando esses nomes aparecem na tela, sabemos que estamos assistindo um filme de Branagh.

Branagh tira o máximo proveito das técnicas cinematográficas – close-ups permitem uma intimidade com atores que o público de teatro nunca pode experimentar – enquanto usa longas tomadas para permitir as atuações e os scripts falam por si. A forma dos filmes atende inteiramente aos textos, o que pode levar alguns a rejeitar seus filmes como obsoletos. As adaptações para o cinema de Shakespeare de Kenneth Branagh (e muitos de seus filmes não Shakespeare) incluem ricas mise-en-scenes e cinematografia arrebatadora, ambas as quais servem para iluminar a poesia e a prosa de Shakespeare.

As escolhas cinematográficas de Branagh – especificamente tomadas de sequência ou cenas que se desdobram em uma tomada longa e tomadas de rastreamento Steadicam que circundam os personagens – funcionam com o fluxo da linguagem de Shakespeare. Talvez o exemplo mais memorável de ambas as escolhas estilísticas seja sua tomada de rastreamento de quatro minutos em “Henrique V” (1989), em que o Príncipe Hal de Branagh carrega seu garoto de bagagem morto (Christian Bale) pelo campo de batalha espalhado por soldados enquanto “Non Nobis” toca sombriamente a trilha sonora

Em “Henrique V” (1989), Branagh se aproxima perigosamente do entorpecimento. No entanto, consegue capturar a verdade emocional do drama de Shakespeare, o que ajuda a evitar qualquer risco de secura – “Henrique V”, rendeu a Kenneth Branagh aclamação da crítica mundial e tem sido amplamente considerado uma das melhores adaptações cinematográficas de Shakespeare já feitas. Fora que, o longa rendeu a Ken em sua estreia como diretor, indicações ao Oscar de Melhor Ator e Melhor Diretor.

Grande parte desse sucesso deve ser atribuída ao talentoso designer de produção de Branagh, Tim Harvey. A calorosa vila toscana de seu “Muito Barulho por Nada” (1993), intoxica o público com seu sol brilhando permanentemente e o barulho de insetos ao fundo. A peça poderia ser o melhor romance de Shakespeare e seria preciso um coração endurecido para não cair sob seu feitiço – e de Branagh. No entanto, o verdadeiro triunfo de sua obra é Hamlet, ambientado em um palácio inspirado em Versalhes. 

Cada moldura parece opulenta e excessiva, tornando o traje de luto de Hamlet ainda mais incongruente. É um espetáculo suntuoso que condiz com a grandeza e a natureza épica da história. Todas as decisões estéticas de Branagh e Harvey, em última análise, existem para a missão maior da história. Algumas dessas escolhas podem não ser radicais ou extrapolar os limites, mas, são cruciais.

Branagh nem sempre teve sucesso com seus filmes de Shakespeare, mas eles tendem a falhar quando ele empurra ideias menos convencionais. Sua versão de “Como você Quiser” (2006), tem muitos encantos, mas é crucialmente dificultada pela escolha de ambientá-la no Japão. O cenário é mal realizado e não faz muito sentido dentro do contexto do filme. Transformar “Amores Perdidos” (2000) em um musical dos anos 1930 recebeu igualmente respostas mistas.

Seu último projeto shakespeariano, “A Pura Verdade” (2018), oferece a oportunidade de o público estar no lugar de William Shakespeare, o filme retrata Shakespeare nos anos finais de sua vida.

No filme, Branagh brinca alegremente com a biografia de Shakespeare, polvilhando uma mistura de fatos e suposições piscantes, ao lado de um elenco de estrelas que sabe como lidar com uma peça de Shakespeare, incluindo Judi Dench e Ian McKellen. Kenneth declarou que buscava fazer uma conexão entre o homem e a obra. O desejo dele era encontrar o ser humano em Shakespeare – Branagh encarnou o papel principal do filme, enfim, ele interpretou seu grande ídolo William Shakespeare. Recentemente, em entrevista ao Collider, Branagh revelou que está disposto a retornar para o clássico panteão shakespeariano de uma forma inesperada: através das animações.

Por fim, Kenneth Branagh é atraído por histórias, temas e motivos distintos. Ele também se recusa a definir Shakespeare contemporaneamente e possui um desejo apaixonado de levar a linguagem de Shakespeare às massas. Finalmente, ele ostenta um estilo de direção e estética de produção exclusivos. Mas apesar de tudo, Kenneth Branagh quase sempre ajuda a iluminar Shakespeare. Com Kenneth, passamos a ver Shakespeare de forma democrática, distinta, direta e bela.

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20 anos de Harry Potter e a Pedra Filosofal

Vanderlei Tenório

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Vanderlei Tenório

Os filmes tendem a ser um produto de seu tempo. Seja devido à tecnologia, história ou algo totalmente diferente, alguns deles simplesmente não envelhecem bem. E alguns podem resistir ao teste do tempo, como Harry Potter e a Pedra Filosofal.

Nessa perspectiva, o primeiro filme da franquia Harry Potter não faz muitas coisas erradas, além de algumas das falas exageradamente hilárias e charmosas, o filme em si é o recurso perfeito para a família e faz bem em introduzir os conceitos-chave da franquia bilionária da Warner, enquanto mantém o tom e a sensação dos livros intactos.

Sendo sincero, acredito que às vezes o melhor plano é fazer as coisas de acordo com o livro. Convenhamos que com mais de 100 milhões de leitores desesperados para correr pelos corredores do cinema para ver seu herói na tela grande pela primeira vez, vocês não podem culpar Chris Columbus por tentar ter sido fiel ao texto de J.K. Rowling

Bom, uma coisa é soltar a imaginação com as palavras na página, outra é ter essas imagens reproduzidas por um orçamento multimilionário de Hollywood. Desde a primeira visão de uma coruja empoleirada na placa da Rua dos Alfeneiros até a cena final do Expresso de Hogwarts saindo da estação com uma majestosa escola situada no alto das colinas atrás, sabemos que cada galeão dourado da poderosa Warner foi bem gasto.

Este filme, surgindo quatro anos (26 de junho de 1997) após o romance original, marcou o nascimento de um novo mito consolador da cultura pop do século XXI, que rivalizava e se iguala a outras adaptações igualmente notórias e amplamente rentáveis e inesquecíveis, respectivamente, as adaptações das obras: “Senhor dos Anéis”, magnum opus do professor Tolkien, “As Crônicas de Nárnia”, magnum opus do professor Lewis, “Crepúsculo”, de Stephenie Meyer, “Percy Jackson & os Olimpianos”, do professor Rick Riordan, e “Jogos Vorazes”, da roteirista Suzanne Collins.

A história como muitas outras fantasias começa com um começo humilde. O jovem órfão Harry Potter fica com os desprezíveis Dursleys, seus únicos parentes de sangue, com nada além de uma cicatriz misteriosa em sua testa e uma carta endereçada a seus desprezíveis tios.

Em uma breve passagem de tempo, vemos o Harry de 10 anos de idade morando em um armário embaixo das escadas e vivendo uma vida monótona, até que uma carta muda sua vida para sempre. Após a matrícula na Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts, o que se segue é uma jornada maravilhosa e mágica em que Harry tenta se adaptar e sobreviver ao primeiro ano letivo em uma escola de Magia pra lá de excepcional.

Ao longo dessa tragédia shakespeariana, ele conhece uma série de personagens coloridos, assustadores, dúbios, enigmáticos e carismáticos, o que inclui seus melhores amigos o bruxo sangue puro Rony Weasley e a nascida trouxa Hermione Granger. Juntos, eles tropeçam em um enredo envolvendo a lendária pedra filosofal e o misterioso Lord Voldemort.

Embora a história em si não faça muito para se diferenciar da estrutura seguida por outras fantasias, o que sempre resistiu ao teste do tempo aqui são os personagens. Harry Potter é simplesmente um garoto comum e é fácil sentir empatia por sua jornada enquanto ele tropeça entre os pontos da trama. O resto dos personagens são interpretados com um estilo direto e estereotipado, mas, há carisma suficiente sobre eles para evitar que o filme seja detido por estereótipos e arquétipos diretamente reproduzidos do livro homônimo.

Entretanto, o elenco merece muitos elogios aqui por trazer a obra à vida, pois com exceção de Hermione (que nos livros tem dentes patetas e cabelos desgrenhados), a maioria dos personagens parece exatamente como imaginado em suas descrições. O elenco também tem uma química maravilhosa na tela e as desventuras de Harry, embora voltadas principalmente para crianças e famílias, têm mistério e drama suficientes para tornar-se um relógio agradável, não importa quantos anos você tenha o filme irá te cativar.

Aqui, o mundo mágico que J.K. Rowling visualizou nos livros é adaptado da melhor maneira possível. Seja o exterior imponente do Castelo de Hogwarts, as ruas pitorescas e agitadas do Beco Diagonal, o suntuoso prédio do banco Gringotes e a peculiar aldeia de Hogsmeade, cada parte do filme exala charme imaginativo, criando uma sensação única de êxtase, fascínio e paixão.

Nesse sentido, todo o ótimo trabalho de introdução de Columbus seria vão se não fosse pela inesquecível trilha sonora de John Williams. Se há um elemento de Harry Potter que resiste ao teste do tempo mais do que qualquer outra coisa, é este. 

Dos segmentos de cordas travessos e tons menores, faixas mais sombrias até o tema principal épico fantástico (Hedwig´s Theme), a trilha sonora de Harry Potter está lá com algumas das melhores já criadas para a tela grande e pelo próprio Williams – vale lembrar que Williams também compôs a trilha dos quatro filmes de “Indiana Jones”, dos sete filmes da franquia “Star Wars” e dos três filmes da franquia “Jurassic Park”, fora outras trilhas igualmente inesquecíveis.

É por isso que essa adaptação fiel não deixará de conquistar os fãs do livro com seu fator ‘uau’. Para nossa alegria e satisfação, o longa prospera no reconhecimento e fidelização do público. Nesse ensejo, Harry Potter e a Pedra Filosofal tem uma vantagem sobre tantos outros sucessos de bilheteria: ele já sabia que era o primeiro de uma série, então não precisou se tornar um filme de sucesso, apesar de ter sido. Isso significa que ele deliberadamente concentrou seu tempo em preparar os personagens e o cenário, assim, alicerçando o êxtase que no fim seria clímax de toda uma geração. 

Nisso, embora não seja o melhor da série, Harry Potter e a Pedra Filosofal é, no entanto, um maravilhoso recurso familiar, trazendo o livro à vida da melhor maneira possível. Com um elenco perfeito e uma história que permanece fiel ao livro, queria ou não, o longa estabeleceu bases muito sólidas para a construção da franquia.

Em comemoração aos 20 anos de Harry Potter e a Pedra Filosofal (2001), de Chris Columbus, a Warner Bros reexibirá o clássico nos cinemas. Aqui no Brasil, o relançamento do primeiro filme da franquia bilionária está marcado para o dia 21 de novembro e em data única. A venda dos ingressos começará a partir desta segunda-feira (15) – a procura deve ser intensa.

Infelizmente, o longa estará disponível somente no dia 21, segundo a Warner, a ideia é permitir que os fãs revisitem a primeira aventura do menino que enfrentou Você-Sabe-Quem sob um novo olhar.

Nesse sentido, levando em conta que a tecnologia 3D só se popularizou em meados de 2009, vai ser a primeira vez que os potterheads (comunidade informal e internacional unida pela série Harry Potter) poderão se sentir dentro do mundo da magia de verdade. Na semana antepassada, já tinha surgido a notícia de que toda a saga Harry Potter seria novamente exibida nos cinemas como forma de comemorar seus 20 anos. Entretanto, a ideia é exibir todos os longas por ordem de lançamento.

Vale lembrar que todos os filmes da saga Harry Potter estão disponíveis no HBO Max e a plataforma contará ainda com um especial de perguntas e respostas envolvendo fãs, justamente para celebrar os 20 anos do primeiro filme da franquia.

Além disso, a HBO Max também já disponibilizou um conteúdo especial para celebrar a data. Batizado de Harry Potter e a Pedra Filosofal: Filme em Modo Mágico, ele traz cenas exclusivas, curiosidades e outros detalhes de produção do primeiro filme da saga — o que é uma ótima forma de os fãs matarem a saudade desse universo. 

Sigo ansioso para dia 21. Boa sessão para nós.

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O cantor de heavy metal que com delicadeza foi indicado ao Oscar

Vanderlei Tenório

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Vanderlei Tenório

Infelizmente, o ator chicagoan Paul Raci não possui trabalhos notáveis anteriores a sua indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, na 93.ª edição da premiação da Academia. O Som do Silêncio (2019), primeiro longa-metragem dirigido por Darius Marder (“O Lugar Onde Tudo Termina”) é também o primeiro longa de grande sucesso do ator – Raci era o meu favorito na categoria.

O ator nasceu na cidade de Chicago, nos Estados Unidos, lá começou sua carreira artística com participações em bandas de rock nos anos 1970. Entretanto, somente na década de 1980, estreou no cinema como parte do elenco do longa “Um Tira de Aluguel” (1987), de Jerry London.

Em seu filme de estreia atuou ao lado de grandes atores como: Burt Reynolds (1936-2018) – indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, em 1998, por “Boogie Nights”, Liza Minnelli – ganhadora do Oscar de Melhor Atriz, em 1973, por “Cabaret”, a cantora Dionne Warwick – ganhadora de 5 prêmios Grammy, James Remar – indicado ao Saturno Awards de Melhor Ator Coadjuvante de Televisão, pela série “Dexter”, Richard Masur – duas vezes presidente do Screen Actors Guild (SAG), John Stanton, John P. Ryan (1936-2007) e Robby Benson.

Raci fez algumas participações em séries como “CSI”, “Baywatch”, “L.A Law”, “Parks and Recreation” e “Baskets”. Sendo sincero, em linhas gerais, grande parte da carreira Raci foi pautada por papéis secundários e pontas de uma ou duas linhas de diálogo, em dezenas de séries, seriados e filmes avulsos. Mas, felizmente, Darius Marder tirou o veterano da obscuridade e lhe deu o papel mais memorável e afetivo de sua carreira.

Depois de 40 anos como ator, ele atraiu elogios por sua atuação como um conselheiro alcoólatra e surdo em “O Som do Silêncio”. Darius Marder queria alguém da comunidade surda para interpretar Joe, que serve como uma espécie de mentor para o recém-surdo Ruben (Riz Ahmed – indicado ao Oscar de Melhor Ator pelo papel).

Nessa perspectiva, houve um ‘match’ entre Marder e Raci. Afinal, o papel é muito afetivo e próximo da realidade de Raci, que cresceu em Chicago como CODA (na sigla em inglês para filho de adultos surdos) – e, como Joe, enfrentou problemas de vício de toda natureza, depois de servir no Vietnã.

Curiosamente, na verdade, em primeira análise, Raci recusou o papel em “O Som do Silêncio” – Contudo, felizmente, o papel ficou com ele. Não foi fácil convencê-lo a ficar com o papel, a concretização da escalação se deu através de duas fases de negociação: 1) seu agente e esposa persuadiram o diretor de elenco do filme a dar uma olhada em sua fita de audição, enfatizando como o histórico de Raci combinava perfeitamente com o papel, 2) Darius Marder se encontrou com Raci na costa leste, onde tiveram um papo decisivo – após a conversa, Raci finalmente aceitou o papel.

Como uma pessoa ouvinte que cresceu com pais surdos, Raci entende intimamente a visão de mundo específica dos surdos. É uma sociedade que não necessariamente equipara a perda de audição com uma deficiência e, é tão vulnerável a quedas como o vício. 

No entanto, essa perspectiva não tem muita importância em Hollywood. Existem poucos papéis para atores surdos, um papel para um personagem surdo complexo e profundamente falho – o tipo que atrai atores de primeira linha – é quase inexistente. Na suntuosa e seletiva Hollywood, a necessidade de um nome é a velha desculpa clássica para a falta de representação, essa necessidade também está diretamente ligada à capacidade do cineasta de financiar um filme.

Membro do Deaf West Theatre em Los Angeles, Raci também é vocalista da banda de tributo ao Black Sabbath, Hands of Doom ASL ROCK, uma banda que se apresenta em linguagem de sinais americana. “O Som do Silêncio” é o maior papel de seus 40 anos de carreira.

Segundo o repórter Kyle Buchanan, do The New York Times, uma vida toda passada como intérprete de seus pais junto às pessoas de audição regular instilou em Raci o amor pelas artes cênicas, mas, quando ele se mudou para Los Angeles, décadas mais tarde, em busca de uma carreira como ator, não encontrou muitos papéis.

Tais dificuldades não abalaram o ator, Raci continuou batalhando, trabalhando durante o dia como intérprete da língua de sinais no sistema do Tribunal Judiciário Superior do Condado de Los Angeles, e aperfeiçoando suas capacidades como ator em produções do Deaf West Theater durante a noite.

Além dos elogios que recebeu por “O Som do Silêncio”, Raci ganhou nove prêmios da crítica de cinema de melhor ator coadjuvante, bem como um do National Board of Review, sem mencionar o burburinho do Oscar – os dias do ator ouvindo “Oh, não, não desta vez” do pessoal da indústria parece que ficou para trás.

Em entrevista ao agregador de notas Rotten Tomatoes, ele disse: “Estou examinando algumas ofertas de papéis em filmes agora – você sabe, recusei cerca de dez, então estou negociando e negociando aqui”, ele brinca. 

“Que benção. Não consigo decidir se faço este papel, que é muito legal, ou este, que é realmente incrível. Tem roteiristas querendo saber se podem escrever um filme para mim. Eu digo, Cara, escreva seu filme. Não se preocupe comigo. Mas isso é maravilhoso agora.” – Raci trouxe para si a responsabilidade de continuar pressionando por uma melhor representação dos surdos, linha de fundo de sua vida e carreira. 

Em breve, Raci estará no longa da Netflix “A Mãe”, o thriller será dirigido por Niki Caro e o roteiro será assinado por Misha Green. O elenco conta com Jennifer Lopez, Gael Garcia Bernal, Joseph Fiennes, Omari Hardwick e Lucy Paez.

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